Il presepe di sabbia

(foto da internet)

Il “Sand Nativity”, il monumentale presepe di circa 700 tonnellate, composto di sabbia jesolana originaria delle Dolomiti, è arrivato lo scorso 17 novembre in piazza San Pietro ed è stato inaugurato il 7 dicembre. L’opera è realizzata da quattro scultori provenienti da diversi Paesi: Richard Varano (Usa), Ilya Filimontsev (Russia), Susanne Ruseler (Olanda), e Rodovan Ziuny (Repubblica Ceca).

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La prima fase del presepe - informa una nota vaticana - è una piramide di sabbia, che è stata alzata sabato, 17 novembre, nella piazza, dopo la formazione dei cassettoni nei quali la sabbia è stata pressata. Poi, fra il 19 e il 20 novembre è stata montata la copertura, cioè, la struttura di protezione. La fase della scolpitura, invece, è stata realizzata il 21 novembre fino ai primi giorni di dicembre, e le ultime 48 ore (5-6 dicembre) sono state riservate alle finiture.

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All’alba di giovedì 22 novembre è giunto invece a San Pietro l’albero di Natale, un abete rosso proveniente dalla Foresta del Cansiglio, provincia di Pordenone. Venerdì 16 novembre si è avviata l’operazione di legatura dei rami e lunedì mattina, 19 novembre, è stato tagliato dal Corpo Forestale locale. A seguire l’addobbo e le decorazioni che sono state fornite dalla Direzione dei Servizi Tecnici del Governatorato, mentre il sistema di illuminazione, a basso impatto ambientale e consumo energetico minimo, è offerto dalla Osram.

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Le due delegazioni delle comunità che hanno donato l’albero: la diocesi di Concordia-Pordenone e la Regione Friuli Venezia Giulia e quanti hanno lavorato dal Patriarcato di Venezia (Comune di Jesolo, Veneto) alla realizzazione del presepe di “Sand Nativity” sono stati ricevuti in udienza a mezzogiorno del 7 dicembre da Papa Francesco in Vaticano. Nel pomeriggio, alle 16.30, ha avuto luogo quindi la cerimonia ufficiale in cui è stato inaugurato il Presepe ed è stata attivata l’illuminazione dell’albero.

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Il Pontefice, come tradizione, vi farà visita il 31 dicembre dopo il Te Deum nella Basilica vaticana. Lo smontaggio inizierà il 13 gennaio 2019, domenica del Battesimo del Signore, data ufficiale in cui si chiude il periodo natalizio: il presepe ritornerà sabbia, e l’albero verrà affidato ad una ditta specializzata per il riutilizzo solidale del materiale legnoso.

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Insomma, il sand nativity ha richiesto un accurato lavoro durato settimane da parte di quattro scultori di diversi Paesi, in collaborazione con i tecnici e il personale del Governatorato. Proprio la sabbia, «materiale povero», richiama «la semplicità, la piccolezza e anche la fragilità – sottolinea Francesco, citando le parole dette nel suo indirizzo di saluto dal patriarca di Venezia, Francesco Moraglia - con cui Dio si è mostrato con la nascita di Gesù nella precarietà di Betlemme». 

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“Nella sabbia, che è effimera e dice la fragilità dell’uomo – spiega mons. Moraglia - prende forma il mistero dell’incarnazione del Figlio di Dio, come le opere di misericordia, che sono umanissime, parlano di Dio”. “Per noi cristiani  - aggiunge - il presepe è il luogo della fede, per chi non è cristiano può essere il luogo dell’accoglienza della fragilità”. Nel suo indirizzo di saluto al Papa, il Sala Clementina, il patriarca aveva ha detto che "Il presepe è al centro anche di polemiche che faccio fatica a capire. È un segno che unisce gli uomini e li fa sentire fratelli di un unico Padre". E fare il presepe nelle nostre case, aggiunge in sala stampa vaticana, “può essere l’occasione per un esame di coscienza sulla capacità della nostra società di essere inclusiva, accogliente, capace di generare solidarietà”.

Enea, Anchise e Ascanio

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Gian Lorenzo Bernini (Napoli, 1598 – Roma, 1680) è stato un artista poliedrico; viene considerato il massimo protagonista della cultura figurativa barocca. La sua opera conobbe un grande successo e dominò la scena europea per più di un secolo dopo la morte. L'influenza del Bernini sui contemporanei e sui posteri fu di enorme portata. 

La grandezza del suo genio, fu percepita appieno dal cardinale Scipione Borghese, mecenate che cercò continuamente un maggior lustro al proprio nome. Il cardinale seppe vedere in Bernini un grande talento che avrebbe prodotto opere di altissimo valore. Uno dei primi lavori eseguiti per Scipione Borghese fu il gruppo scultoreo in cui sono ritratti Enea che solleva in spalla il vecchio Anchise, seguiti dal piccolo Ascanio. 

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I tre protagonisti sono colti nel pieno del loro doloroso dramma; la scultura trasmette il timore del padre Anchise, la rassegnazione di Enea e la debole speranza di Ascanio che mostra, nella fiamma accesa, le speranze di una nuova civiltà. Il gruppo è animato dalla rotazione dei tre corpi su se stessi, dall'anatomia che ne distingue le diverse età, e dal movimento contenuto che ne accentua la severità e la gravità. Detto movimento è espresso nello sforzo di Enea che sorregge il padre fra le braccia, con muscoli e tendini in piena evidenza, soprattutto nella torsione del ginocchio, piegato a causa del peso sostenuto. 

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L'opera ha una forte psicologia espressiva: i gesti di Anchise che sostiene il simbolo della patria abbandonata -il keramos troikos contenente le ossa degli avi-, quelli di Enea, fiducioso in se stesso e nei presagi che lo designano quale fondatore di una nuova civiltà, e il piccolo Ascanio, fanciullo spaventato che stringe la fiamma con la quale accenderà la nuova vita di Roma: il fuoco eterno di Vesta. Risulta evidente che l’artista abbia voluto mettere in risalto il potere della committenza, oltre che rappresentare i due oggetti per il loro significato intrinseco: Anchise portatore della storia, delle tradizioni e Ascanio, destinato a dare origine alla futura gens julia, custode del sacro fuoco vestale.

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L'opera fu realizzata tra il 1618 ed il 1619 e prende spunto da un passo dell’Eneide di Virgilio, e fa parte dei quattro gruppi borghesiani prodotti dall’artista tra il 1621 ed il 1625.

La statua è esposta all’interno della Galleria Borghese di Roma, così come gli altri tre gruppi borghesiani dell’artista: il Ratto di Proserpina (1621 – 1622), Apollo e Dafne (1622 – 1625) e il David (1623 -1624). Le quattro opere marmoree, furono commissionate all’artista dal cardinale Scipione Borghese che le destinò all’abbellimento della sua Villa romana sul Pincio.

Ars metallica

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Per i 110 anni di attività della Scuola dell'Arte della Medaglia (SAM), l'Istituto Poligrafico e Zecca dello Stato apre per la prima volta al pubblico le porte delle ex officine all'Esquilino con un percorso espositivo che si snoda tra antichi macchinari, strumenti, sculture e installazioni multimediali che tracciano la storia della Zecca ed espongono le produzioni della Scuola dell'Arte della Medaglia fondata nel 1908. Storia, cultura, sapienza artistica e rinascita urbana. È su queste quattro direttrici che nasce e si sviluppa ''Ars Metallica, la materia, la tradizione e la creatività contemporanea'', la mostra inaugurata al Palazzo Storico della Zecca in via Principe Umberto nel quartiere Esquilino. La mostra, che si snoda in sei itinerari culturali e multimediali, offre un percorso espositivo ricco di suggestioni sulla fusione d’arte che permette di guidare il visitatore alla scoperta di antichi macchinari, strumenti per il conio, sculture e installazioni, tra tradizione e innovazione.

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La mostra è stata inaugurata mercoledì 28 novembre 2018. Un’esposizione che intende celebrare i 110 anni di attività della Scuola dell’Arte della Medaglia che rappresenta un patrimonio di altissimo valore storico e culturale, una ricchezza che si rinnova di capacità artistiche, creatività e innovazione e che si rivolge a studenti provenienti da tutto il mondo. “Ars Metallica, la materia, la tradizione e la creatività contemporanea” rappresenta anche l’occasione per entrare all’interno di un tesoro architettonico nel cuore di Roma che sta rinascendo. Per il complesso di via Principe Umberto sarà realizzato un progetto di riqualificazione definito attraverso un concorso di progettazione internazionale il cui esito sarà reso noto all’inizio del 2019. Nel 2023 sarà così riconsegnato alla città, ai romani e al quartiere Esquilino un pezzo significativo del suo passato, un luogo che ha contribuito a definire l’identità del Belpaese; proprio lì, infatti, ha preso forma la moneta nazionale e da fabbrica ormai abbandonata diverrà uno spazio di archeologia industriale vivo e aperto. 

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Sei sale storico-didattiche a disposizione dei visitatori: lo sguardo sulla moneta; la coniazione; la fonderia e la fusione d’arte; la pressa monetaria Taylor; la sala multimediale Saper fare e la sala dedicata alla mostra Ars Metallica. Ogni ambiente guiderà il visitatore nelle atmosfere e nei luoghi della Zecca. L’Amministratore Delegato, Paolo Aielli afferma che “i contenuti ed il luogo della Mostra Ars Metallica, nell’edificio che ha ospitato la prima Zecca dello Stato unitario, sono la migliore testimonianza dell’impegno del Poligrafico per il recupero e la valorizzazione del patrimonio artistico e tecnologico della coniazione e, quindi, della moneta simbolo e segno di un valore garantito dallo Stato; questo impegno di tutela della memoria si coniuga perfettamente con il lavoro che oggi il Poligrafico svolge per lo sviluppo di soluzioni tecnologicamente innovative per l’anticontraffazione di monete e documenti per l’identità fisica e digitale”.

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Il Presidente, Domenico Tudini aggiunge che “la mostra racconta la storia e le caratteristiche del saper fare che da sempre caratterizzano l’attività del Poligrafico. Il luogo è importante: la Zecca dell’Italia unita, un edificio che ha contribuito alla storia della nostra Nazione. Qui infatti prese forma la moneta, uno degli elementi distintivi dell’identità del Paese.“

Il Lonfo

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La metasemantica è una tecnica letteraria teorizzata ed utilizzata da Fosco Maraini, il padre della scrittrice Dacia Maraini,  nella sua raccolta di poesie Gnòsi delle fànfole, un libro del 1998, oggi introvabile.

La semantica è quella parte della linguistica che studia il significato delle parole, degli insiemi delle parole, delle frasi e dei testi. La metasemantica, nell'accezione proposta da Maraini, va ben oltre il significato delle parole e consiste nell'utilizzo di parole prive di significato, ma dal suono familiare alla lingua a cui appartiene il testo stesso e della quale deve seguire le regole sintattiche e grammaticali. Dal suono, e dalla posizione all'interno del testo, si possono attribuire significati più o meno arbitrari a tali parole. Attualmente la suddetta tecnica ha un certo seguito tra i poeti italiani, soprattutto amatoriali.

Il più celebre esempio di metasemantica è la poesia di Maraini intitolata Il Lonfo.

Il testo è il seguente:

IL LONFO

Il Lonfo non vaterca né gluisce

e molto raramente barigatta,

ma quando soffia il bego a bisce bisce,

sdilenca un poco e gnagio s'archipatta.

È frusco il Lonfo! È pieno di lupigna

arrafferia malversa e sofolenta!

Se cionfi ti sbiduglia e ti arrupigna

se lugri ti botalla e ti criventa.

Eppure il vecchio Lonfo ammargelluto

che bete e zugghia e fonca nei trombazzi

fa legica busia, fa gisbuto;

e quasi quasi in segno di sberdazzi

gli affarferesti un gniffo. Ma lui, zuto

t' alloppa, ti sbernecchia; e tu l'accazzi.

Che cos’è il lonfo? Chi lo sa?! Il termine sembra un sostantivo singolare maschile, ma non possiamo affermare che denoti un individuo o un individuo tipico di un certo genere.
Nella poesia, vi sono assonanze con espressioni italiane e dialettali, che la nostra rappresentazione mentale di  parlanti della lingua italiana cerca di riconoscere ma tutto il testo è fondato sulla nozione di finzione semantica; e come pura e semplice finzione va letta.
Dal libro di Fosco Maraini, il musicista Stefano Bollani ha tratto un cd, in cui lo stesso Bollani e Massimo Altomare interpretano, in musica, i testi dello scrittore fiorentino (ascolta>>).
Vi lasciamo con l'indimenticabile interpretazione di Gigi Proietti de Il Lonfo. Buon divertimento!

Sinuessa

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La colonia di Sinuessa venne fondata nel 296 a. C. a difesa dell'accesso costiero dalla Campania Felix al Latium adiectum. Fu teatro di continue incursioni sannitiche e, nel 217 a. C., la cavalleria di Annibale assediò senza successo la colonia e saccheggiò tutto l'agro circostante provocando enormi danni. L'importanza della città nel II secolo a. C. è provata dall'ampliamento delle mura e dalla ristrutturazione del foro nel 174 a. C. Questa importanza scaturiva dalla ricchezza della colonia, dovuta alla produzione vinicola e alle acque termali; i nomi Falerno e Acque Sinuessane, iniziarono a circolare a Roma e in tutto il territorio della Repubblica. 

La città divenne famosissima tra l'aristocrazia romana che vi costruì numerose ville, mentre, i più grandi poeti, decantarono il suo Falerno come uno tra i vini più pregiati del mondo allora conosciuto. Nel 37 a. C. percorrendo l'Appia, vi si incontrarono Mecenate e Orazio con Virgilio, Plazio Tucca e Lucio Vario, impegnati nel portare la pace tra Ottaviano e Antonio. 

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L'economia della colonia ebbe il suo massimo splendore nel 94 d. C. grazie al porto commerciale più grande del Tirreno meridionale: Puteoli (l'odierna Pozzuoli), e con la costruzione della Via Domiziana che collegava le due città. Il II sec. d. C., in coincidenza con il massimo sviluppo economico dell'Impero Romano, rappresentò un periodo di splendore per la città: venne effettuata una nuova sistemazione del Foro e continuò ad essere meta di riposo degli uomini illustri dell'impero. 

Il III secolo a. C. rappresentò l'inizio del declino economico e sociale della colonia. Poche notizie si hanno per questo periodo che scompaiono del tutto per il secolo successivo. Alcune notizie del IV secolo d. C., ci vengono da fonti ecclesiastiche. La città dovette subire il saccheggio dei Visigoti di Alarico nel 410 d. C., i quali, dopo il sacco di Roma, andarono verso sud attraverso l'Appia e quindi inevitabilmente produssero un forte impatto su Sinuessa. 

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In questi giorni la colonia è tornata alla ribalta grazie a delle immagini satellitari: le foto hanno catturato insolite strutture che giacciono sul fondo del mare, a pochi metri dalla riva, in località Sant’Eufemia, nel comune di Cellole, in provincia di Caserta.

Vi si nota un intricato reticolo di strutture sul fondale, opera dell’uomo. La città romana di Sinuessa fu in parte fagocitata dal mare a seguito di un cataclisma naturale, probabilmente un forte terremoto seguito da uno tsunami che fece arretrare la costa di decine di metri ingoiando tutto ciò che vi si trovava: il porto con le sue imbarcazioni, i magazzini pieni di derrate e forse anche qualche villa marittima suburbana, certamente presente sulla costa.

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Grazie a particolari condizioni climatiche, le foto ci hanno offerto dei fotogrammi inediti dalle quali è possibile intravedere una serie di ambienti, in parte ancora sconosciuti, che, secondo il parere di alcuni studiosi, ricondurrebbero, per forma e dimensioni, ad un ninfeo o un impianto termale.

A pochi decine di metri di distanza dalla colonia, si erge il complesso archeologico di Punta San Limato, che racchiude una fastosa residenza romana, esempio di edilizia suburbana di Sinuessa, attribuita al prefetto di Nerone, Gaio Ofonio Tigellino, e che è stata solo in parte scavata. Peccato.

Addio al maestro del Novecento!

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Se non fosse davvero esistito, il personaggio Bernardo Bertolucci – poeta, documentarista, regista, produttore, polemista, autore per eccellenza del cinema italiano, star del cinema internazionale - prima o poi, questo personaggio più grande che natura l’avrebbe inventato qualcuno, per raccontare, in maniera romanzesca ed esemplare, quello che ha attraversato il cinema nella seconda metà del secolo scorso, dallo sperimentalismo al cinema d’autore, dalla cinefilia alla grandeur, dai low budget alle megaproduzioni, dal provincialismo alla visione internazionale. Il regista di capolavori come Novecento, Ultimo tango a Parigi, Il té nel deserto, Piccolo Buddha e L'ultimo imperatore, il film da nove Oscar, è morto all'età di 77 anni dopo una lunga malattia nella sua casa di Trastevere a Roma. La camera ardente è stata allestita ieri, 27 novembre, dalle ore 10 alle 19, in Campidoglio, Sala della Protomoteca.

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Bernardo Bertolucci, in queste avventure e capovolgimenti era sempre lì, da protagonista o da testimone del secolo. Così italiano e così internazionale. Così sofisticato e così nazional-popolare. Così letterario e così visuale. E non si può non restare stupefatti di fronte a una vicenda umana e a una carriera cinematografica che si sono aperte nell'Appennino di Casarola di Parma, la casa di famiglia dei Bertolucci, e hanno percorso le strade del mondo per viaggiare sempre, però, nello Zeitgeist, nello spirito del tempo, quello spirito che Bernardo, con antenne da vero artista, ha saputo identificare, interpretare, raccontare. Della favola, a tratti amara, sempre avventurosa che è stata la vita di Bernardo Bertolucci, ricordiamo l’inizio veramente da favola.

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Quando il bel ragazzo ventenne, figlio di un grande poeta come Attilio Bertolucci, amico di Pier Paolo Pasolini, amato da Moravia, vicino a Elsa Morante, a Cesare Garboli, a Enzo Siciliano, a Dacia Maraini, vince a vent’anni il Premio Viareggio per la poesia con Il cerca del mistero. Da questo laboratorio culturale, dalla tradizione letteraria e musicale della sua natia Parma, discendono, oltre all’amore di Bernardo Bertolucci per i testi letterari, il gusto per il melodramma, l’amore per le scene madri, l’approccio mitico e popolare, la tendenza postmoderna a costruire con materiali preesistenti – quelli che, direbbe Violeta Parra, formano il suo canto. E quindi, su una filmografia di sedici film, a realizzare ben cinque film di origine schiettamente letteraria pur restando un autore straordinariamente visivo.

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È un percorso cinematografico affascinante. Bertolucci lavora come assistente di Pasolini, gira documentari, affronta il primo film, La commare secca, su un'idea di Pasolini e con atmosfere tipicamente pasoliane. Poi un secondo, Prima della rivoluzione, nel 1964, che diventa il suo manifesto cinematografico, annuncia il suo lato cinefilo ("Non si può vivere senza Rossellini" è la citazione imperdibile) e lo promuove autore e cantore della borghesia di fronte ai cambiamenti drastici che segnano gli anni ’60.

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Nel fatidico '68 Bertolucci gira un film tipicamente sessantottino, Partner. Poi nel 1970, per la Rai, quello che all’epoca colpì tutti come un piccolo, sofisticato gioiello, Strategia del ragno, ispirato a Borges. Per offrire al pubblico nel 1970, ancora, quello che resta forse il suo film più compiuto, maturo, personale, Il conformista, che trasforma ed è al tempo stesso fedele al testo di Moravia. Un film che se non riuscì all'epoca a farsi amare dal pubblico italiano, di nuovo venne amato dalla Kael, che lo definì "un'esperienza sontuosa, emotivamente piena"- e che a tutt’oggi di Bertolucci resta il film più riuscito, concluso, coerente.

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Ma il fenomeno internazionale B.B. esplode con Ultimo tango a Parigi, e la complessa vicenda giudiziaria/ censoria che seguì, e che rende difficile giudicare il film fuori dal suo contesto di scandalo. Uno scandalo paragonato dalla solita Kael allo shock culturale prodotto da Le sacre du printemps. E il fatto che Bernardo Bertolucci ogni tanto sia ritornato sulle sue responsabilità (o meglio sarebbe dire sulla sua irresponsabilità) nell’imporre scene e atmosfere brutali a Maria Schneider, non fa che rinnovare negli anni lo shock prodotto a suo tempo e a rendere più difficile un giudizio. Che all’epoca a taluni è sembrato semplice: intense le scene in interni, con un superbo Marlon Brando invecchiato e dolente, imbarazzanti le parti con Schneider e Leaud, appassionante (nonché discutibile) il tema della trasgressione e del sesso come unico valore.

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La storia delle vicende giudiziarie di Ultimo tango è un romanzo in se stesso, un po' grottesco un po' horror, tra condanne alla perdita dei diritti civili e roghi medievali di pellicola. Ma è la storia che ha creato la fama internazionale di B. B. e che gli consente nel 1976, sempre sensibile agli umori del tempo e ad anni di cultura di sinistra dominante, di girare Novecento, un’epica grandiosa e “hollywoodiana”, piena di grandi nomi del cinema nostro e internazionale, che racconta cinquant’anni di storia padana, a tratti potente e commovente, a tratti retorica e manieristica , sempre audace per le dimensioni e le ambizioni. Dopo la ricezione tiepida, nel 1979, di La luna, che racconta l’ambiguo e difficile rapporto , ai confini dell’incesto , di una madre e di suo figlio adolescente, dopo La tragedia di un uomo ridicolo ( 1981), una storia di avidità provinciale e rapimenti, che conquista a Tognazzi un premio a Cannes ma ha un risposta modesta dalle sale, nel 1987 Bertolucci conquista a sorpresa nove Oscar con un film veramente epocale, un trionfo di diplomazia e creatività, di gusto scenografico italiano e di abilità narrativa, L'ultimo imperatore, un grande successo a livello mondiale che apre le porte del mondo cinese e consacra Bernardo Bertolucci come un grande regista internazionale.

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Tornato in Italia dopo un lungo periodo a Londra, sua seconda patria, Bertolucci, con Io ballo da sola, da un racconto di Susan Minot, esalta la bellezza del Chiantishire e il piacere di vivere "dopo" la rivoluzione. Con Il té nel deserto (1990) riscopre l'opera di Paul Bowles e il mondo tragico ed elegante degli “expat”. Quindi si muove, nel 1993, verso il Nepal, per raccontare la storia di Piccolo Buddha e aprire alle culture orientali. Nel 1996, tornato a Roma, dirige tutto in interni la storia di un'ossessione amorosa, L’assedio. Mentre nel 2003 ritorna all’amato, mitico '68 con la storia di tre ragazzi che intrecciano scoperte erotiche, politica e cinefilia in The Dreamers, un film di scoperto voyeurismo e di scoperta nostalgia che per molti versi riconduce alle atmofere di Ultimo tango. Ma la malattia che da anni lo assedia, sta avendo il sopravvento. Bertolucci non riesce a "montare" il suo Gesualdo da Venosa, un film a cui pensa da tempo. Gli restano le storie intime e private, e gira, praticamente sotto casa, un intenso incontro scontro tra fratello e sorella in Io e te ( 2012), dal romanzo di Niccolò Ammaniti. 

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È la fine della bella favola. Ma Bernardo Bertolucci, il ragazzo poeta, il regista, la star, il premio Oscar, se ne va lasciando un segno che resta.       

La Festa degli alberi

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Il 21 novembre si è tenuta la Festa nazionale degli alberi.

Noi, per festeggiarla a modo nostro, vi parliamo di un albero bellissimo che si trova a San Gimignano: un bagolaro.

Il bagolaro in questione -specie Celtis australis- ha una circonferenza di 5,7 metri e un'altezza di 26 metri.

Ha circa 130 anni e si trova nel centro storico del borgo toscano. Si trova nel cortile dell'Ostello della Gioventù, tra via Folgore da San Gimignano e via delle Fonti.

Il bagolaro di San Gimignano è un albero maestoso e robusto a chioma rotondeggiante, in discrete condizioni vegetative. Venne incluso nel progetto Grandi Alberi del WWF che ha predisposto la rimonda dei seccumi, il consolidamento delle branche a rischio di rottura, l'applicazione di micro-iniezioni e miglioramenti al terreno.

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Il cortile nel quale si trova era nel XIX secolo un orto di proprietà del Conservatorio di Santa Chiara. Nel 1897 una porzione dell'orto divenne il luogo di ricreazione dell'asilo infantile Principessa Maria Vittoria, situato nell'edificio adiacente (Palazzo della Vergine, ora sede dell'Ostello). Nel 1934 il Comune tolse i locali all'asilo per crearvi la Casa del Balilla ma negli anni '50 l'asilo infantile ritrovò la sua sede e il suo cortile. 

Il Bagolaro è conosciuto anche con il nome di spaccasassi per via del potente apparato radicale. Un tempo, il legno duro ed elastico del bagolaro veniva utilizzato per fabbricare attrezzi e strumenti resistenti alle sollecitazioni. I frutti, molto appetiti dagli uccelli, contengono semi da cui si estrae un olio dal sapore gradevole mentre dalla corteccia e dalle radici si ricava un principio tintorio giallo.

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Parliamo del bagolaro toscano per ricordare che gli alberi sono la nostra energia, i baluardi naturali nella lotta al cambiamento climatico. Abbiamo ancora davanti agli occhi le sconvolgenti immagini di migliaia di alberi caduti,  in Veneto e Trentino Alto Adige, solo poche settimane fa. 

Oltretutto, le foreste in Italia hanno un valore fondamentale: interessano, infatti, circa 11,8 milioni di ettari, pari al 39% del territorio nazionale e hanno superato perfino gli spazi dedicati all'agricoltura. 

Va ricordato che gli alberi hanno una funzione fondamentale nella nostra vita: possono assorbire fino a 30 kg di CO2 all'anno (ciò significa che venti alberi possono compensare le emissioni di una macchina), fornendo l'ossigeno necessario a duecento persone. 

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Essi assorbono inquinanti vari, dalle polveri sottili agli ossidi di azoto e all'anidride solforosa. Depurano le acque, riducono l'inquinamento acustico e mitigano il clima. Il settore del legno, inoltre, genera circa l'1,6% del prodotto interno lordo e offre 300mila posti di lavoro. 

Per celebrare la Festa degli alberi, si sono svolti in tutto il Paese centinaia di eventi che hanno coinvolto, tra gli altri, gli alunni delle scuole, i collettivi e le associazioni ambientaliste.

Molto interessante ci è parsa l'iniziativa di Legambiente, intitolata Le radici dell'accoglienza, in cui gli alberi, così come i valori dell'accoglienza e della solidarietà, possono mettere radici forti e profonde nel nostro Paese.

A Roma si è tenuta una piantumazione presso l'Istituto Comprensivo Via Baccano, con attività di educazione ambientale e la musica dell'Orchestra Famo Baccano. 

A Parma, una famiglia ha deciso di piantare 11mila alberi (!) sul suo terreno di 10 ettari, anziché lasciar spazio a nuovi centri commerciali.

Ciononostante, il nostro Paese affronta problemi gravi di distruzione ambientale e di politiche di riforestazione sbagliate: si pensi ai circa 9000 incendi di ogni anno che hanno danneggiato o distrutto più di 100mila ettari di territorio, ai danni legati ai fenomeni climatici estremi come quelli che hanno interessato le regioni italiane del nord-est alla fine del mese scorso e che, secondo le prime stime, hanno provocato l'abbattimento di oltre otto milioni di metri cubi di legname, l'equivalente di quanto viene tagliato nell'arco di quattro anni! 

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Legambiente si batte da anni affinché il ruolo delle nostre foreste torni ad occupare il centro dell'agenda politica, puntando su due elementi chiave: la tutela della biodiversità e le produzioni verdi. Le foreste preservano la biodiversità, prevengono l'erosione del suolo, sono un deposito naturale di carbonio, ostacolano il riscaldamento globale e costituiscono la base per nuove economie locali, sia per la loro funzione nell'ambito della filiera produttiva ed energetica del legno, sia per il loro uso in chiave turistica, ricreativa e culturale.

Il Wwf ha, invece, lanciato l'evento Urban Nature per far scoprire e incrementare la natura in città. Un progetto che coinvolge migliaia di alunni delle scuole invitandoli a soluzioni per la tutela del territorio: dai tetti verdi agli edifici amici di rondini e rondoni, dalla realizzazione di giardini mediterranei per gli insetti impollinatori al recupero di aree degradate limitrofe alla scuola. 

In occasione della Festa nazionale degli alberi, Pefc Italia e Legambiente hanno assegnato i premi Comunità Forestali Sostenibili per sostenere e rilanciare le buone pratiche di gestione forestale in tutta Italia. Il premio alla Filiera Forestale, è andato alla Filiera del legno del Friuli Venezia Giulia che ha fornito materiali e maestranze per costruire, in soli 288 giorni, il Polo del Gusto e della Tradizione ad Amatrice, prima grande opera della ricostruzione post-terremoto edificata interamente in legno. Complimenti!

In vino cultura

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L'Ufficio per la pastorale del tempo libero, del turismo e dello sport della diocesi di Roma ha promosso un interessantissimo corso che è un vero e proprio viaggio nel vino tra Bibbia, storia ed arte. Il titolo è molto originale: La vite e i tralci. Il vino nella Bibbia, nella Storia e nell'Arte. 

Responsabile dell'iniziativa è Marco Cum, teologo e sommelier. Il programma prevede quattro incontri -uno al mese- ed inizierà l'8 gennaio 2019 nella parrocchia romana di Sant'Ambrogio. 

I riferimenti culturali da sviluppare sono molteplici: dal vino delle nozze di Cana -La tramutazione dell'acqua in vino, conosciuto anche come miracolo delle nozze di Cana, è il primo miracolo di Gesù, compiuto durante un matrimonio a Cana di Galilea. L'episodio è descritto nel Vangelo secondo Giovanni (2,1-11)-, al primo cenno al Lambrusco, contenuto nel libro del Profeta Isaia, al vino della California che venne prodotto all'origine dai francescani inviati lì come missionari, ai più antichi trattati di enologia, risalenti al XVI secolo, uno dei quali si deve a Sante Lancerio, storico e geografo, e bottigliere di Papa Paolo III.

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Marco Cum segnala che nel corso si vuol mettere in evidenza l'importanza del vino nella cultura, e come esso abbia influenzato la storia e l'arte (si pensi alla simbologia presente nella Sacra Scrittura, dall'Antico al Nuovo Testamento, e, nell'arte, a Giotto e all'Ultima Cena, ad esempio). 

Il teologo spazierà dalla storia dei monaci di Cluny alla lettura del Cantico dei Cantici, e, nel frattempo, gli iscritti al corso potranno degustare diversi vini: il Barolo, il Franciacorta, il Grechetto, il Pinot Nero e lo Champagne, che fu inventato, tra le mura di un monastero, dall'abate benedettino Pierre Pérignon.

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Ma perché la Chiesa si occupa del vino e della sua storia? Secondo i responsabili del sopraccitato Ufficio pastorale anche le normali attività quotidiane sono radicate in una storia e in un territorio, ed esse riguardano spesso anche la sfera spirituale, come, ad esempio, il rito del pasto. Perciò, si vuole riflettere, nel corso, sul mondo del vino e sul suo stretto legame con le Scritture e la Chiesa. Gli organizzatori sostengono che dopo questa iniziativa sarà difficile bere un bicchiere di buon vino senza gustarne la profondità nel tempo e la sua relazione con la fede... 

Amen.

Un autunno da favola

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La vita, a volte, può essere amara. E non serve aggiungere dello zucchero per addolcirla. Non è una questione di ingredienti ma di esperienze che alimentano l’animo e rasserenano la mente. 

“Tutti hanno bisogno dei propri ricordi. Essi tengono lo spettro della banalità fuori dalla porta” – disse lo scrittore Saul Bellow. Perché allora non rispolverare vecchi amori, quelli che ci hanno tenuto compagnia durante l’infanzia? A mettere d’accordo intere generazioni sono loro, personaggi come Topolino e i Puffi che, proprio nel 2018, festeggiano importanti anniversari divenendo protagonisti di interessanti mostre autunnali allestite in tutto lo stivale. 

 

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Chi è cresciuto a pane e Puffi non può perdere “Mondo Puffo”. Questa spettacolare mostra, in calendario fino al prossimo 25 novembre, è stata allestita presso WOW Spazio Fumetto – Museo del Fumetto, dell’Illustrazione e dell’Immagine animata di Milano per celebrare i 60 anni di queste piccole creature alte due mele o poco più, con la pelle blu e il caratteristico cappellino bianco. Ebbene sì, le loro origini sono da rintracciare nel 1958 quando Puffetta, Grande Puffo, Gargamella &Co. vennero ideati dal noto fumettista belga Pierre Culliford, noto ai più come Peyo, per poi divenire protagonisti di film, cartoni animati etc. E non solo. L’occasione è quella giusta per regalarsi un sorriso familiarizzando con il tipico “linguaggio puffo”, studiato addirittura da Umberto Eco.

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Si cambia genere con “City Booming” che, dopo il successo milanese, è sbarcato a Bologna (nell’Ex Chiesa di San Mattia) con un enorme diorama di 60 metri quadri nato dalla fantasia di Wilmer Archiutti (fondatore di LAB Literally Addicted to Bricks) per risvegliare il piccolo architetto che è in ognuno di noi. Basta guardarsi intorno per rendersi conto di essere circondati da ben 7 milioni di coloratissimi mattoncini Lego che riproducono una vera e propria metropoli dove nulla è lasciato al caso. A spiccare, infatti, tra il cinema, la pasticceria etc. è la riproduzione della torre degli Asinelli e della torre della Garisenda. A rubare l’attenzione sono anche i suoi cittadini: 6.000 omini gialli il cui aspetto strizza l’occhio a personaggi cult dei cartoons nonché a supereroi come Batman, Wonder Woman ma anche a celebrità del cinema.

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Anche Roma spalanca le braccia a tutti i fumettari dello stivale offrendo non una ma più mostre autunnali. Al Palazzo delle Esposizioni, fino al 6 gennaio 2019, ad andare in scena è la mostra (a ingresso gratuito) “Roma Fumettara. Una scuola di autori – 25 anni in mostra” messa a punto per celebrare i 25 anni di attività  della Scuola Romana dei Fumetti. Come? Attraverso le opere realizzate dai docenti e/o da ex allievi. Tra i nomi più altisonanti ci sono quelli di Massimo Rotundo (disegnatore di Tex) o ancora Stefano Caselli (disegnatore Marvel) e Maurizio Di Vincenzo (disegnatore di Dylan Dog). Non solo, lo stesso contenitore, fino al 9 gennaio 2019, ospita anche la mostra “Pixar. 30 anni di animazione” che, attraverso più di 400 opere tra disegni, sculture, bozzetti, collage e storyboard, invita a scoprire il duro lavoro che si cela dietro a capolavori come Toy Story, Monsters & Co. e Inside Out. 

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Rimanendo nel cuore della città eterna, in quel di Villa Borghese l’ospite d’onore è proprio lui, Topolino. Tutti i fan dell’iconico personaggio della Disney possono fare tappa alla Casa del Cinema per festeggiare, fino al 7 dicembre, i suoi 90 anni attraverso “Mickey 90 – L’Arte di un Sogno: Topolino e il cinema”. Si tratta di un percorso interattivo che, attraverso rari e preziosi materiali, offre un assaggio della spettacolare mostra allestita, fino al 10 febbraio 2019, nelle sale del castello di Desenzano del Garda. Proprio così, immagine dopo immagine, permette di ricostruire la carriera artistica della creazione più celebre di Walt Disney. Dal 1928, quando tutto ebbe inizio, a oggi di anni ne sono passati ma Topolino si conferma essere un mito intramontabile per grandi e piccini di tutto il mondo.